Cette Masterclass Facile à Suivre De Terence Clarke Vous Apprend à Peindre Des Natures Mortes Comme Henri Matisse
Henri Mastisse, maître de la nature morte, a travaillé rapidement et intuitivement pour rendre ses sujets. Pour créer des compositions vibrantes, il a utilisé des couleurs vives rehaussées de couleurs pures en noir et blanc. Terence Clarke montre comment utiliser l’acrylique dans ce guide simple à suivre.
Henri Matisse a montré à Pierre-Auguste Renoir une partie de son travail lors de sa première visite à la maison des Collettes de Pierre-Auguste Renoir à Nice. Renoir a été quelque peu surpris par le style du jeune artiste de Renoir, mais il lui a dit qu’il aimait le noir. Ce commentaire est contraire à la croyance commune selon laquelle les impressionnistes étaient allergiques à la peinture noire dans leurs peintures pastel. Il est évident que Renoir, Monet et leurs contemporains ont beaucoup utilisé la peinture noire tout au long de leur carrière, notamment dans les accents. Il est faux de croire que seuls le noir pur ou le blanc pur peuvent faire partie d’une palette réussie.
Guide Pour Peindre Une Nature Morte Comme Matisse
Cette masterclass était consciente d’utiliser les deux extrêmes dans le ton pour améliorer et dramatiser la couleur d’une nature morte. J’ai utilisé du noir de processus pur et du blanc de titane comme accents et dans le cadre de la palette de couleurs principale. Chaque image est unique et chaque processus de peinture implique des décisions inattendues. Vous verrez dans les étapes ultérieures de la peinture que ma décision d’inclure de tels extrêmes a été prise par essais et erreurs, ainsi que par un jugement calculé. Cette combinaison est ce que je crois produit les meilleures peintures. Cet exercice avait pour objectif de rendre un sujet apparemment ordinaire vibrant et coloré, un peu comme une nature morte de Matisse. Je vais vous montrer comment le noir et blanc faisait partie intégrante de l’effet global.
Matériaux De Terences
- PEINTURES Jaune citron Teinte jaune cadmium Teinte vermillon et outremer, toutes Daler–Rowney System3 et teinte bleu manganèse et Quinacridone Magenta, toutes Daler–Rowney Cryla Peintures Acrylique
- BROSSES Rosemary & Co. Series47 avelines de porc en tailles 2, 3 et 5, et Rosemary & Co. series 47 avelines de porc en tailles 3, 4 ou 5
- TOILE Gerstaecker Studio 1, toile de coton apprêtée 380 g/m², 40X40 cm
1. Établissez Un Terrain
Pour créer un fond aux tons moyens, j’ai appliqué un léger lavis d’ocre jaune / teinte vermillon sur la toile. Cela m’aide à juger de la valeur tonale des mixages depuis le début.
Une fois le lavis sec, j’ai utilisé un léger mélange Prussian Blue Hue/Pthalo Green pour créer la composition de base. Le pinceau de fond mesurait 5 cm de long et je l’utilisais presque comme un feutre. J’ai ensuite plongé dans la couleur d’encre, ce qui, à mon avis, est une merveilleuse façon de dessiner une image.
2. Dessinez Spontanément
J’ai commencé à esquisser les premiers tons de la nature morte, à travailler sur l’image et à ajouter des accents qui créeront l’illusion de la lumière. Il était important de ne pas recouvrir complètement la sous-couche car elle peut transparaître en dessous. Cela aide à garder les couleurs actives et contraste avec les tons chauds. Le coup de pinceau était spontané et fluide, suggérant les pétales en utilisant des coups simples.
3. Bloquer En Couleur
Pour masquer le fond bleu d’une partie de la composition originale, j’ai utilisé de l’aveline de porc taille 2 et un mélange assez opaque Ultramarine/Titanium White. Important à noter, je ne voulais pas recouvrir complètement la sous-couche. Je voulais que les nouvelles marques de pinceau réagissent avec les couleurs pour créer des effets de couleur et une surface vibrante.
4. Vos Progrès Doivent être évalués
J’ai développé l’arrière-plan, composé du fond bleu foncé et de la fenêtre derrière. Cependant, je n’étais pas satisfait de la façon dont la peinture bleue semblait tuer le bleu dans le tissu sous le vase ainsi que les fleurs violettes. Le contraste est la clé de la couleur et trop d’une seule couleur peut ruiner la dynamique de votre composition.
5. Le Changement Est Possible
J’ai ressenti le besoin de capturer l’image par la peau, alors j’ai fait de l’ocre jaune et de la teinte vermillon, puis je l’ai écrasée sur le fond bleu. Cela m’a ramené là où j’avais commencé avec la sous-couche. Après cela, j’ai pu réorganiser le fond et apporter une nouvelle énergie à l’image. Parfois, la meilleure façon de libérer l’énergie créatrice est de changer une peinture.
6. Les Couleurs Peuvent être Noircies
Je me suis concentré sur le sujet principal, les fleurs. J’ai utilisé des coups de pinceau individuels pour dessiner leur structure et les ai placés dans la composition. Bien que les fleurs soient la couleur principale de cette image, vous pouvez également voir que j’ai ajouté Process Black à la zone. Ce noir a vraiment travaillé dur comme couleur.
7. Réagissez Aux Couleurs
Les deux citrons ont été ajoutés au tissu et j’ai ensuite créé le tissu avec le mélange Outremer que je venais d’omettre du fond. La position des autres couleurs était déterminée par la blancheur des marguerites.
C’est toujours un plaisir de voir un tableau dans le chaos. Le supprimer peut vous aider à libérer son potentiel. Ici, j’ai utilisé des marques d’empâtement plus épaisses qui contrastaient avec ma sous-couche initiale. Cette texture ajoutée.
8. Appliquez-le épais
Pour placer la peinture sur la toile, j’ai utilisé mon filbert ivoire pour ramasser de grandes quantités de blanc de titane (Cryla, un acrylique épais). Cela vous permet d’utiliser le pinceau presque comme un couteau à palette et de manipuler encore plus la peinture. Les fibres synthétiques douces en filbert ivoire sont extrêmement résistantes à la pression. Cela permet un grand contrôle dans la construction des effets d’empâtement. Ils doivent être appliqués en couche épaisse, comme tous les blancs, afin qu’ils ne se mélangent pas avec d’autres couleurs.
9. Intensifiez
L’arrière-plan a été brossé avec du pur Process Black. Cela a immédiatement intensifié la peinture et le contraste dramatique a contribué à propulser l’image vers l’avant. Vous pouvez voir comment j’ai appliqué très finement les couleurs les plus foncées. Les couleurs plus claires étaient plus épaisses, ce qui est cohérent avec l’approche maigre à gras pour construire une peinture à l’huile. Parce qu’il est presque transparent contre les blancs épais, le noir semble plus vibrant. L’épaisseur des verts variera en fonction du ton.
10. Soyez Audacieux Et Simplifiez
Les tons à contraste élevé sont une caractéristique clé de la peinture du verre ou des surfaces réfléchissantes. Vous devez être audacieux et simplifier pour bien faire les choses. Ceci est réalisé par observation et prêt à utiliser Process Black contre la réflexion pour créer l’illusion d’une surface réfléchissante. J’ai utilisé Process Black pour intensifier les effets de couleur Ultramarine et Lemon Yellow.
11. Veuillez Remplir Le Contexte
J’ai créé un mélange épais de blanc de titane, de teinte vermillon et d’ocre jaune pour bloquer l’arrière-plan. L’utilisation subtile du blanc est qu’il devient plus blanc au fur et à mesure que la peinture se déplace vers le haut. Le dessus du tableau est le seul blanc pur. La simplicité et le contraste de la peinture permettent aux jaunes et aux roses des fleurs de briller.
12. Touches Finales
Enfin, j’ai peint le bord horizontal de la table. Cela donne au vase une idée de l’endroit où il est assis. C’est une ligne simple mais elle est cruciale sur le plan de la composition. L’espace suggéré donne au vase et aux fleurs un sens plus fort de la forme.
Cette image finale montre qu’environ un tiers de l’image est noir tandis qu’un tiers est blanc. Le tiers restant est la couleur pure. Cela prouve, espérons-le, que vous pouvez utiliser le noir et blanc dans le cadre d’un jeu de couleurs.
